Введение в современное искусство, ч. 1

11.10.2023

Введение, Пикассо, Сезанн и африканская скульптура.

Одним из курсов, которые я брал в Оксфорде, был “Учимся смотреть на современное искусство” (Learning to look at Modern Art). Так у меня остались все материалы, был решено сделать перевод и поделиться ими с пользователями DTF.

Структурно, курс представлял собой десять юнитов (по неделю на каждый). Я буду выкладывать по юниту на статью; итого — десять постов.

Список всех юнитов:

Введение: Пикассо, Сезанн и африканская скульптура.
Пикассо и модернизм. Культурные предпосылки развития искусства начала двадцатого века. Как могло случиться, что картина, которая до сих пор кажется такой же радикальной, как “Авиньонские девицы” Пикассо, была написана уже в 1907 году, предвосхитив развитие кубизма у Жоржа Брака?
Динамика. Необходимость выразить динамичный и подвижный взгляд на современный мир в творчестве Матисса, футуристов в Италии и вортицистов в Англии.
Дюшан и концептуальное искусство. Поиск новых смыслов в современном искусстве. Развитие дадаизма. Идея реди-мейд и ее наследие в концептуальном искусстве. Фэнтези арт, сюрреализм, символизм и мечты.
Экспрессионизм и самовыражение. Значение памяти, духовной связи со зрителем и самоощущения – от Кандинского до абстрактного экспрессионизма и Трейси Эмин.
Новые концепции композиции. Коллаж, папье-колле, ассамбляж и комбинирование, сюрреалистическая композиция, поп-арт, минимализм и экологическая композиция. Идея постмодернизма и архитектуры.
Пространство и форма. Новые способы создания скульптуры. Использование новых материалов, а также их влияние на скульптуру, архитектуру и дизайн. Наум Габо, Фрэнк Ллойд Райт, Ле Корбюзье и Фрэнк Гери. Идея деконструкции.
Свет и цвет. Радикальные идеи об использовании света и цвета в живописи, скульптуре, инсталляции и архитектуре от Моне и Боннара до Капура и Фостера.
Традиционные сюжеты. Преемственность интересов художников к человеческой фигуре, религиозным сюжетам, исторической живописи, пейзажу, портрету.
Заключение: кино, фотография и изобразительное искусство. Взаимодействие кино, фотографии и изобразительного искусства. Некоторые темы, которые следует учитывать при рассмотрении современного искусства.

Содержание

1.1 Введение

1.2 Пикассо

1.3 Сезанн и африканская скульптура

1.4 Заключение

1.1 Введение

Наша главная цель – попытаться ответить на некоторые из наиболее часто задаваемых вопросов о современном искусстве:

Почему это так сильно отличается от искусства прошлого?
Почему это так трудно понять?
Почему часто кажется, что для этого нужно так много теории?
Как нам следует к этому подойти?

Мы попытаемся разобраться в современном искусстве с помощью анализа, объяснений и взгляда. Сказав это, однако, мы должны подчеркнуть, что здесь нет правильных ответов, и мы не предлагаем рецепта или окончательного решения относительно того, как на это смотреть.

Есть несколько важных фоновых тем, связанных с современным искусством, которые необходимо принимать во внимание:

Важные исторические события, такие как две мировые войны.
Теории в форме манифестов и идей, которые необходимо интерпретировать, чтобы способствовать лучшему пониманию современного искусства.
Технические инновации, позволившие проектировать, делать и воплощать вещи в беспрецедентных формах и масштабах.
Размывание традиционных различий между живописью, скульптурой и архитектурой, например, в инсталляциях или коллажах.
Изменения в мировоззрении, оказавшие влияние на современную культуру, такие как феминизм и деконструкция.
Важность идей модернизма и постмодернизма в первой и второй половине двадцатого века и то, как они развивались с тех пор.

Как вы можете видеть из списка, в этом курсе рассматривается целый ряд видов искусства, включая живопись, скульптуру, архитектуру, фотографию и новые медиа, такие как инсталляция, кино и видео.

1.2 Пикассо

Общий взгляд

Безусловно, “Авиньонские девицы” и сегодня выглядят радикально, динамично и волнующе. Хотя картина была написана сто лет назад, многие до сих пор считают ее настоящей отправной точкой для современного искусства. Отчасти это объясняется тем, что на картине изображен традиционный сюжет — обнаженные женские фигуры в группе, — но обработанный совершенно по-другому. Это как если бы Пикассо перевернул традицию с ног на голову. Мы должны начать с указания на эти самые необычные качества, а затем перейти к сравнению с картиной одного из старых мастеров. Действительно, многие полагают, что Пикассо, возможно, использовал “Суд Париса” Рубенса в качестве одного из своих многочисленных источников для “Девиц”.

Общий взгляд

Начните с того, что уделите несколько минут детальному осмотру “Авиньонских девиц”. Затем:

Попррбуйте описать, как Пикассо нарисовал две фигуры в центре.
Сравните и противопоставьте головы в левой части рисунка и в крайней правой.
Взгляните на рисунок в правом нижнем углу картинки. Почему его внешний вид такой странный?
Сравните это с “Судом Париса” Рубенса, особенно с точки зрения композиции, пространства и изображения человеческой фигуры.

В каждом примере женщины изображены по-разному, но, по крайней мере, в двух – у Рубенса и Пикассо – это связано с “мужским взглядом” (по сути, способ изображения женщин и взгляда на них, одновременно сексуализируя и принижая женщин, и впервые описан как таковой в книге Джона Бергера “Способы видения” и, позже ,британским кинокритиком Лорой Малви, которая использовала это для критики традиционных медийных представлений о женском персонаже в кино и придумала саму фразу.
Рубенс использовал мифологическую сцену, по сути, как способ включить в нее обнаженную женщину, потому что изображение обнаженной женщины любым другим способом — к которому мы теперь привыкли — было неприемлемо. На групповом портрете Пикассо изображены женщины в борделе; они находятся там для того, чтобы клиенты-мужчины могли любоваться своей покупкой, пусть и временной сделкой. Хотя две фигуры могут выглядеть так, как будто они лежат на кровати и мы смотрим на них сверху, все фигуры вертикальны и, кажется, не замечают друг друга, в то время как фигура справа вверху задергивает занавеску, в то время как сама занавеска, кажется, частично сливается с ее телом. Хотя картина вдохновила и предвосхитила кубизм, Пикассо использовал для своей работы множество прошлых источников; Иберийские скульптуры, африканские тотемные маски, “Снятие пятой печати” Эль Греко (или “Пятая печать Апокалипсиса”, или “Видение Святого Иоанна”), примитивизм Гогена, “Купальщицы” Сезанна и многое другое. Это свидетельство переходного периода в творчестве Пикассо, попытки связать его ранние работы с кубизмом.

И Пикассо, и Матисс обеспечивают эту связь между природой (в первом случае человеческой природой, а также ее растительным аналогом) и сексуальностью. Нам также не нужно обладать большим воображением, чтобы определить, что происходит в пасторальном пейзаже Матисса. Роберт Хьюз в своей работе “Шок новизны” утверждает, что у Пикассо “Даже дыня в натюрморте выглядит как оружие”. Таким образом, меня вся композиция – это агрессия и конфронтация и, как предполагает Хьюз, аллегория венерического заболевания; Пикассо уже лечился от гонореи и, как и многие его современники, остро осознавал, что до появления антибиотиков сифилис обычно приводил к летальному исходу. Студент-медик, несущий череп в одном из ранних набросков “Девиц” является отражением тревоги Пикассо. Так что да, сначала мы смотрим на пять фигур, и только потом обращаем внимание на фрукты и остальную композицию. Живописный стиль Матисса далек от традиционных изображений обнаженной женщины, что может заставить зрителей задуматься об изменениях в изображении обнаженной женщины с течением времени.

Сравнение Пикассо и Матисса

Посмотрите на картину Матисса 1905 года “Радость жизни”. Это работа на тему, схожую с картиной Пикассо, но выполненная в другой манере и написанная более или менее в одно и то же время. Попробуйте провести сравнение между этими двумя понятиями.

В какой картине цвет более важен и почему?
Как вы думаете, почему Пикассо и Матисс захотели по-новому подойти к этой традиционной теме группы обнаженных женских фигур?
В чем разница в использовании тона между Пикассо, Матиссом и Рубенсом?
Является ли картина Матисса более изящной, а Пикассо – более резкой? Если да, то почему?

Возможно, цвет более важен для Матисса (хотя я бы также отметил, что все три художника использовали цвет соответствующим сюжету и эпохе, в которую была закончена картина), который был тесно связан с “Фовистами”. Пикассо меньше полагается на цвет и больше на сами фигуры, чтобы передать пространство и форму. Пикассо и Матисс хотели по-новому подойти к традиционному сюжету группы обнаженных женских фигур, понимая, что традиционные способы изображения фигур исчерпаны. Различия в использовании тона между Пикассо, Матиссом и Рубенсом в целом заключаются в том, что Пикассо использует границы с большим эффектом. Тона соответствуют резкому освещению композиции. Как можно видеть, что Матисс и Рубенс используют тон гораздо мягче. Является ли картина Матисса более изящной, а Пикассо – более резкой? Это, скорее, открытый вопрос. открытая цель. Очевидно, что да, по всем причинам, указанным выше. Мы уже ответили визуальное сходство между Сезанном и Пикассо – искажение, сужение пространства и так далее, – но есть и другие области, где Сезанн и Пикассо также совпадают, особенно в том, как оба художника пытаются примириться с угрожающей сексуальностью мира женщины. Теперь хорошо известно, что у Сезанна были серьезные проблемы в отношениях с противоположным полом, а у Пикассо к женщинам было было странное и ненавистническое отношение.

1.3 Сезанн и африканская скульптура

Общий взгляд

Сезанн экспериментировал с человеческой фигурой, как это сделано в “Купальщицах”, особенно ближе к концу своей жизни. Его интересовали альтернативные способы трактовки этого традиционного предмета, как, впрочем, и многих других художников того периода, включая Дега, Ренуара, Гогена и Сера, например. Однако Сезанн был радикальнее остальных, поскольку он хотел использовать фигуры в качестве строительных блоков для своей композиции, и его не интересовал натурализм в традиционном смысле. Эксперименты Сезанна дали Пикассо возможность альтернативного подхода к изображению человеческой фигуры, — то же ему позволила и африканская скульптура.

Знаменитая маска Гребо принадлежала Пикассо, и она хорошо демонстрирует, почему африканская скульптура была такой непохожей. Маска не вырезана и не смоделирована по образцу западноевропейской скульптуры, а собрана из дерева и растительных волокон и акцентирована в определенных белой краской. Это было задумано для того, чтобы воздействовать на зрителя не через натурализм, а через способность изображения передавать информацию, подобно фетишу или “волшебной вещи”, как называл это сам Пикассо.

Свойства картины Сезанна (которые оказали влияние и на Пикассо), и то, что делает маску Гребо такой яркой это искажение фигур. Также существует много примеров использования фигур в качестве композиционных элементов: купальщицы были сжаты в две симметричные группы, ограниченные рамками уголок у деревьев и реки. Главное отличие маски Гребо от западной скульптуры – даже от модернистских образцов, таких как работы Годье-Бжески, – заключается в том, что она собрана из отдельных частей, а не вырезана или смоделирована по образцу. Возможно, самым известным примером, который имеет некоторое сходство – и только в своей конструкции, – является “Перфоратор” Эпштейна:

1.4 Заключение

Изменения и влияния, сопутствующие появлению современного искусства, были скорее кумулятивными, чем единичными. Мы не можем указать на какой-то один аспект как на определяющий. Именно в этом заключается значение новой науки и мысли в этот период, так что не только Эйнштейн, или Бергсон, или Сезанн, или африканская скульптура сами по себе, но и целый ряд факторов, объединившихся вместе, привели к альтернативному взгляду на то, как мы видим самих себя по отношению к внешнему миру. Нам нужно попытаться что-то понять в этом.

В следующем юните мы подробно займемся именно этим.

Полезные ссылки (англ.)