Эти фильмы разрушат стереотипы об однообразности жанра и просто взорвут мозг.
Мюзиклы — жанр интересный и необычный: одновременно и фильмы, и набор видеоклипов. Но у кого-то они могут вызывать фрустрацию, дескать, герои там внезапно начинают петь и танцевать — не важно, по делу или нет, — да и сюжеты чаще всего условные.
Но вот что можно сказать точно: если зритель на дух не переносит жанр, то всему виной, скорее всего, сформировавшийся образ типичного мюзикла. Некая романтическая история в духе «Шербурских зонтиков» или «Ла-Ла Ленда» с лёгкими эстрадными песнями и парными или массовыми танцами.
Это во многом справедливо. Но помимо мейнстримных мюзиклов выходит очень много необычных картин: фантасмагории от самих музыкантов, работы представителей авторского кинематографа или просто нечто странное, что не укладывается в голове.
Вспоминаем самые необычные и провокационные мюзиклы.
«Шоу ужасов Рокки Хоррора» (The Rocky Horror Picture Show, 1975)
В 1970-х годах театральный актёр Ричард О’Брайен временно остался без работы. Изнывая зимой от скуки, он решил написать мюзикл, в котором признался бы в любви к кино категории B. Оформить его он собирался в стиле глэма и рок-н-ролла.
В процессе работы О’Брайен предложил режиссёру Джиму Шармену поставить пьесу в театре. Они почти случайно нашли актёра Тима Карри, который подписался на одну из главных ролей, и с успехом сыграли «Шоу ужасов Рокки Хоррора» на различных сценах. А потом решили снять и киноверсию.
20th Century Fox выделила на фильм минимальный бюджет, поэтому создателям пришлось довольствоваться реквизитом из старого кино, а ещё использовать смекалку и знакомства. Подробнее о создании фильма и истории его успеха мы здесь рассказывать не будем: если вы заинтересовались, можете почитать нашу большую статью. А пока обойдёмся краткой информацией.
«Шоу ужасов Рокки Хоррора» рассказывает о влюблённых Джанет (Сьюзан Сарандон) и Брэде (Барри Боствик), которые после помолвки отправляются навестить старого знакомого. В дороге у машины спускает колесо, и в поисках телефона герои забредают в странный замок доктора Фрэнка Н. Фертёра (Тим Карри) — инопланетянина с планеты Транссексуалии в галактике Трансильвания.
Тот как раз готовится представить гостям своё творение — собственноручно созданного им человека Рокки. Ну а дальше Фрэнк соблазнит обоих гостей, накормит всех присутствующих человеческим мясом, разоблачит профессора Скотта, который на самом деле Фон Скотт, а в финале полезет на логотип студии RKO. В общем, безумие будет нарастать с каждой минутой.
Визуально и музыкально «Шоу ужасов…» — это набор отсылок к различным элементам поп-культуры. В саундтреке звучат и рок-н-ролл, и мелодии из варьете, а в сюжете словно смешали все возможные ужастики, фантастические фильмы и представителей прочих жанров.
После релиза фильм провалился, и его чуть не положили на полку. Но вице-президент по рекламе 20th Century Fox Тим Диган уговорил коллег дать картине второй шанс. Её пустили на ночные сеансы, и вскоре вокруг «Шоу ужасов Рокки Хоррора» образовался настоящий культ. Зрители приходили в кино повеселиться: они копировали действия героев, выкрикивали оскорбления в их адрес и просто вели себя максимально вызывающе.
Постепенно фильм обрёл всемирную популярность, причём традиция вызывающе вести себя на показах сохранилась. Во многих странах, в том числе и в России, до сих пор проходят спецпоказы, на которых можно танцевать, выбегать на сцену и творить любые непотребства (не вредя другим, конечно). В таких сеансах участвуют и «шэдоукасты» — команды артистов, которые прямо перед экраном разыгрывают сцены из фильма. В таком формате картина воспринимается намного лучше.
«Томми» (Tommy, 1975 год)
В 1969 году британская группа The Who выпустила концептуальный альбом (или рок-оперу) «Томми» о слепом, глухом и немом мальчике, который становится знаменитым благодаря игре в пинбол. Пластинку приняли сдержанно тепло. Но команда изначально задумывала её как концертное шоу, поэтому и популярным «Томми» стал именно в «живой» версии. The Who играли весь альбом во время концертного тура 1969 года и даже на фестивале «Вудсток».
Тогда начался настоящий бум любви к «Томми». Группа выступала и в обычных концертных залах, и в оперных театрах, по произведению ставили балеты. Часть американской публики даже думала, что сама команда называется Tommy.
До экранизации «Томми», о которой пойдёт речь, The Who записали ещё две пластинки, среди которых Quadrophenia (по ней вскоре поставили фильм, но это не мюзикл, поэтому в наш список не попадает).
А вот в 1975 лидер группы Пит Таунсенд и режиссёр Кен Расселл решили перенести на экраны «Томми», пригласив множество звёзд.
В центре сюжета — мальчик Томми (Роджер Долтри), сын лётчика Уокера и его жены Норы (Энн-Маргрет). После предполагаемой смерти мужа вдова сходится с Фрэнком (Оливер Рид). Но Уокер однажды возвращается и застаёт пару в постели. После этого его случайно убивают на глазах у Томми, но мальчика убеждают, что он ничего не видел, не слышал и никому ничего не скажет.
После этого Томми становится слепым, глухим и немым. Точнее, он уходит в свой внутренний мир. Родители пытаются его вылечить, обращаясь к религиозным культам, но затем всё чаще оставляют Томми на попечение неприятной родни. Затем герой случайно знакомится с пинболом. Томми легко побеждает чемпиона мира, обретает славу и богатство, оставаясь всё таким же оторванным от реальности. Он возвращается в мир только когда мама случайно разбивает зеркало. После этого Томми признают мессией.
К этому описанию можно ничего и не добавлять — оно уже намекает, что зрителей ждёт удивительная история. Отдельно скажем, что в фильме появилось множество актёров и музыкантов. Например, Элтон Джон здесь носит ботинки примерно в собственный рост.
Барабанщик The Who Кит Мун сыграл здесь дядюшку-педофила, а Джек Николсон очень мило спел в образе злобного доктора.
Фильм так хорошо запоминается благодаря совпадению задумок авторов со стилем режиссёра Кена Рассела, провокатора от мира кино. Именно поэтому в кадре иногда происходит нечто совершенно непостижимое. Например, маму главного героя заливают то шоколадом, то консервированными бобами.
В итоге получилась комедия в духе «Монти Пайтон» с примесью личной драмы и религиозными мотивами.
«Листомания» (Lisztomania, 1975 год)
В том же 1975 году Кен Рассел выпустил ещё более «монтипайтоновский» фильм с Роджером Долтри в главной роли. Только теперь за основу взяли биографию композитора XIX века Ференца Листа.
Режиссёр считал, что Лист — первая в истории рок-звезда, поэтому и сыграть его должен знаменитый музыкант. Изначально выбор пал на Мика Джаггера (он, кстати, хотел сняться и в «Томми», но требовал добавить туда свои композиции), однако во время работы с Долтри автор решил, что снова возьмёт его на главную роль.
За саундтрек отвечал клавишник Yes Рик Уэйкман. Он написал свои композиции и переаранжировал классику Листа и Вагнера, а тексты к песням придумали сами Рассел и Долтри.
Картину трудно назвать биографией. Это некая фантасмагория, в которой реальные факты смешиваются с выдумкой, анахронизмами и просто снами главного героя. Уже в первой сцене показывают Листа, который занимается сексом, целуя грудь любовницы ровно в темпе метронома (а он возрастает). Потом врывается разгневанный муж, и композитор, сражаясь с ним на шпагах, начинает кататься на люстре вместе с голой девушкой.
Если это не впечатляет, можно дождаться одного из снов Листа: там все катаются и танцуют канкан на его огромном эрегированном пенисе длиной в несколько метров.
Выступления Листа в фильме действительно похожи на рок-концерт: на сцену ломятся кричащие фанатки, а сам пианист ведёт себя как звезда. Но основной акцент в сюжете сделан на отношениях композитора с Рихардом Вагнером. Последнего режиссёр выставляет вампиром, который сосёт кровь Листа и пытается отравить его тело и разум.
Правда, в реальности композиторы дружили и сотрудничали, а Вагнер женился на дочери Листа Козиме.
Изначально Рассел задумывал снять целую серию фильмов, посвящённых классикам — Гершвину, Листу, Берлиозу и другим. Но в процессе работы над первой картиной все жаловались на недоработанный сценарий, а бюджет постоянно рос.
Так что дальше дело не пошло, зато у фанатов есть хотя бы «Листомания».
«Аннетт» (Annette, 2020 год)
Леос Каракс — один из ярчайших представителей авторского кино. Многие его фильмы можно считать художественным пересказом биографии самого режиссёра, но иногда он берётся и за более абстрактные сюжеты.
Сценарий «Аннетт» написали Рон и Рассел Мэйлы из знаменитого дуэта Sparks. Братья начали работу ещё в середине десятых и, познакомившись с Караксом, предложили ему поставить фильм. Что логично, всю музыку к нему придумали и исполнили сами Sparks.
Сюжет рассказывает о стендап-комике Генри МакГенри (Адам Драйвер) и оперной певице Энн (Марион Котийяр). Пара знакомится, влюбляется и женится, а потом у них рождается дочь Аннетт. Но вскоре всплывают неприглядные подробности прошлой жизни Генри, что вкупе с несдержанностью артиста губит его карьеру. Он начинает злиться на Энн, которая набирает популярность, и однажды почти случайно убивает её.
По описанию завязка мюзикла кажется вполне традиционной драмой. Но те, кто знаком с творчеством авторов, сразу поймут: они создают очень необычные произведения. Музыка Sparks почти не похожа на типичные поп-композиции: команда всегда экспериментировала с прогрессив-роком, психоделикой и множеством других жанров.
Причём в мюзикл попали не только новые композиции Мэйлов, но и старые треки группы. Большинство из них не похожи на полноценные музыкальные номера: многие темы делают совсем короткими, сменяя только начавшуюся мелодию на следующую.
Выступления Генри — смесь разговорного жанра и пения, концертные номера Энн разбавляют происходящее классической оперой. И даже встреча с журналистами здесь превращается в странный хоровой перфоманс.
Кстати, в большинстве треков актёры поют сами. Лишь оперные партии за Котийяр исполнила профессиональная певица Катрин Тротманн.
Кроме того, в «Аннетт» поют в самых необычных ситуациях. Например, во время орального секса или при родах. Это выглядит неплохой иронией над традиционной постановкой мюзиклов с «музыкальными» признаниями в любви и страстными танцами.
Дополняя необычный саундтрек, сам сюжет с определённого момента становится всё более странным. После смерти матери маленькая Аннетт при ночном свете начинает петь тем же оперным голосом, поэтому Генри решает сделать её звездой. Сама же Энн преследует своего убийцу в виде призрака.
Но, пожалуй, главное, — подход Каракса к визуальному ряду. Например, ребёнка здесь изображает деревянная кукла, что сыграет драматическую роль в финале. Некоторые сюжетные повороты поданы в виде выпусков новостей. А дирижёр обращается к зрителю напрямую, извиняясь, что ему приходится отвлекаться на управление оркестром.
«Аннетт» вряд ли удивит тех, кто хорошо знает творчество Каракса или Sparks. А вот зрителей, которые включат этот мюзикл только из-за известных актёров и красивого постера, ждёт немало сюрпризов.
«Первый нудистский мюзикл» (The First Nudie Musical, 1976 год)
В экспериментальных фильмах семидесятых часто показывали обнажённую натуру, но однажды нудизм решили сделать буквально основой всей истории. Да ещё и в формате мюзикла.
Хотя самое интересное здесь — не обнажение, а сама идея. Это своеобразный мюзикл в мюзикле. Главный герой Гарри Шехтер (Стивен Нейтан) получает в наследство разоряющуюся голливудскую студию. Чтобы избежать банкротства, он решает снять эротический фильм с песнями и танцами. Тут-то в кадр и вбегают голые девушки.
Картину поставил режиссёр-новичок Брюс Киммел, сам написавший сценарий и сыгравший одну из главных ролей. При просмотре «Первого нудистского мюзикла» сразу чувствуется, что авторы хотели снять скорее пародию на жанр, чем какой-то экспериментальный фильм. Даже история отчасти напоминает сюжет каких-нибудь «Поющих под дождём»: в нём рассказывали о попытке спасти карьеру актёра немого кино после появления звуковых фильмов.
В картину вложили минимум средств. Позже пресса напишет: «Снят примерно за 1% бюджета „Нью-Йорк, Нью-Йорк“, но в сотню раз смешнее и проницательнее». Камерность и ограниченный бюджет заметны в каждой сцене, но картину почти всегда спасает юмор.
Больше всего фильм радует великолепными и очень смешными музыкальными номерами. Увы, многие ролики мы не можем привести в этом тексте, но обязательно оцените легендарную сценку Dancing Dildos, в которой под весёлую музыку танцуют и поют голые девушки и огромные пенисы.
Первые три месяца после релиза фильм крутили всего в одном кинотеатре 68th Street Playhouse, и уже тогда он обрёл культовый статус. Потом «Первый нудистский мюзикл» пустили в широкий прокат, и он стал четвёртым по прибыльности фильмом в году. Выше в списке тогда оказались лишь «Звёздные войны», очередная часть приключений Бонда и драма «Ты осветила жизнь мою».
Интересный факт: «Первый нудистский мюзикл» — не первый нудистский мюзикл. Ещё в 1963 году вышла картина «Златовласка и трое обнаженных». Это мюзикл о романе певца и девушки пресс-агента, которая, как оказывается, в свободное время любит ходить без одежды. Большую часть времени «Златовласка» — просто неуклюжая музыкальная комедия, но в последней трети фильма все без причины начинают гулять голыми. Всё дело в том, что картину сняли популяризаторы нудизма, которые просто решили хитро обойти цензуру.
«Каннибал! Мюзикл» (Cannibal! The Musical, 1993 год)
Поклонники «Южного парка» знают, что полнометражный мультфильм «Большой, длинный, необрезанный» тоже вполне можно считать мюзиклом. Но Мэтт Стоун и Трей Паркер увлеклись кино с песнями ещё на заре своей карьеры.
Всё началось с трёхминутного любительского ролика 1992 года, который Паркер снял для киношколы вместе с друзьями. В видео режиссёр иронично и кроваво обыгрывал реальную историю Альферда Пакера — одного из немногих преступников, осуждённых за каннибализм.
Ролик привлёк много внимания, все похвалили мастерство и смелость авторов, Паркеру и Стоуну выделили около 100 тысяч долларов на полнометражную версию. Над ней создатели тоже работали с друзьями на выходных и каникулах. Из-за этого у них, кстати, были проблемы с экзаменами — никто не успевал готовиться.
Молодые режиссёры сняли историческую музыкальную комедию. Действие начинается с суда над Пакером (его играет сам Паркер), которого обвиняют в убийствах и каннибализме. После этого в камеру к заключённому приходит женщина-репортёр Полли Прайд, которая считает, что ему очень одиноко. Хотя на самом деле Пакеру вполне удобно за решёткой. Как бы то ни было, обвиняемый рассказывает свою версию событий.
Весь сюжет завязан на отношениях Пакера с его лошадью Лианой, которую он называет «my girl» и своим лучшим другом. Ну а трагическая история со смертями и убийствами предстаёт чередой случайностей, в которой фигурируют, например, индейцы в исполнении японцев и злобный циклоп.
Герои по поводу и без поют песни авторства Паркера, часть которых посвящена лошади. Особенно прекрасна романтичная When I Was On Top of You.
Кстати, акцент на близости героя с Лианой и выбор этого имени неслучайны. Лошадь назвали в честь неверной девушки режиссёра, правда об изменах которой вскрылась незадолго до их свадьбы.
Изначально фильм назывался «Альферд Пакер: мюзикл», и его никто не собирался издавать. Однако в 1996 году картину выкупила студия Troma, которая переименовала её в «Каннибал! Мюзикл» и выпустила в прокат. Но популярность пришла позже.
В 1997-м Стоун и Паркер запустили «Южный парк». Вскоре об авторах заговорили буквально все, и Troma переиздала фильм на VHS и DVD. В последнем случае добавили бонусные материалы: комментарии авторов и актёров, которые рассказывали о создании картины и пили спиртное.
После этого мюзикл стал культовым, и его переносили на сцену множество любительских театров. Сами создатели всё грозились переснять картину с более серьёзным бюджетом, но до дела так и не дошло. Возможно, и к лучшему.
«Запретная зона» (Forbidden zone, 1980 год)
Имя Дэнни Эльфмана уже давно ассоциируется с саундтреками, в первую очередь к фильмам Тима Бёртона. Этот композитор отвечал за музыку в «Бэтмене» 1989 года, «Сонной Лощине», «Алисе в Стране чудес» и ещё нескольких картинах режиссёра. Эльфман работал над десятками других фильмов и даже написал заглавную тему к знаменитым «Симпсонам».
Но начинался его творческий путь совсем иначе — с нью-вейв группы Oingo Boingo, игравшей то ли постпанк, то ли электронную музыку. Команда вышла из психоделического театра The Mystic Knights of the Oingo Boingo, которым руководил Ричард Эльфман — брат Дэнни.
Вместе они в конце семидесятых создали фильм «Запретная зона», основанный на одной из экспериментальных сценических постановок. Ричард выступил режиссёром, Дэнни отвечал за музыку.
Действие картины начинается в пятницу 17 апреля в 16:00 в городе Венис, штат Калифорния. В этот момент наркодилер обнаруживает в доме дверь в шестое измерение. После этого он продаёт здание семье Геркулес.
Мать предупреждает свою дочь Фрэнчи, чтобы та ни в коем случае не заглядывала в дверь в подвале. Но та отправляется искать сестру своего приятеля и оказывается в плену у топлес-принцессы, короля-карлика и королевы шестого измерения. Потом туда же попадает брат Фрэнчи, он почти спасает сестру, но тут появляется огромная лягушка с трубой.
Строго говоря, дальнейший сюжет настолько абсурден, что его вовсе трудно пересказывать. Лучше просто смотреть.
Но любители артхауса и странного юмора точно оценят «Запретную зону». Для начала, в ней цепляет саундтрек: в песнях можно почувствовать переход Эльфмана от поп-музыки к типичным для него кинокомпозициям. Это как будто бы лёгкие песенки, но они отлично вписываются в происходящее на экране.
А во-вторых, братья словно заранее подготовили почву для будущей карьеры Дэнни. В дальнейшем у Бёртона его музыка будет часто сопровождать картинки со скелетами, антропоморфными животными и прочими безумными существами. Все они есть и в «Запретной зоне».
Как и многие другие работы в этом списке, фильм со временем стал культовым. Но в момент релиза в 1980 году многие сочли его слишком грубым, странным и откровенным. Картина провалилась в прокате, и Эльфманы практически разорились, хотя почти все актёры вернули свои чеки с гонорарами.
Но потом фильм неоднократно с успехом переиздавали, в 2008 году вышла даже цветная версия. А Ричард Эльфман долгие годы грозится снять продолжение и даже запустил краудфандинг. Но сиквел всё ещё в разработке.
Интерстелла 5555: История секретной звездной системы (Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem, 2003 год)
Полнометражное аниме на музыку Daft Punk. В общем-то, на этом можно было бы остановиться. Но всё же стоит рассказать небольшую предысторию.
В 2001 году знаменитый электронный дуэт выпустил свой второй студийный альбом Discovery. Примерно в то же время музыканты заинтересовались работами Лэйдзи Мацумото, создателя Space Battleship Yamato. И тогда Daft Punk обратились к художнику с просьбой проиллюстрировать их пластинку, взяв за основу стилистику сериалов «Грендайзер» и «Космический пират капитан Харлок».
Постепенно задумка разрослась до полноценного мультфильма, в саундтреке которого полностью звучит альбом Discovery.
По сюжету, злодеи похищают музыкальный коллектив инопланетян и перемещают их на Землю. Членам группы меняют внешность и устанавливают контроль над их разумом. Всё для того, чтобы команда стала знаменитой и принесла похитителям «Золотой альбом». Когда злодей соберёт 5555 таких дисков, он станет властелином вселенной. Но музыкантов уже ищет благородный пилот их корабля.
Нужно понимать, что весь сюжет раскрывается исключительно через видеоряд. В мультфильме нет другого текста, кроме слов в самих композициях.
То есть можно сказать, что «Интерстелла», по сути, набор видеоклипов — именно в таком формате его крутили на MTV, нарезав на отдельные ролики. В итоге работа радует и поклонников команды, и любителей стиля Лэйдзи Мацумото.
Меня там нет (I’m Not There, 2007 год)
В последние годы снимают всё больше художественных биографий известных музыкантов. Большинство из них построены примерно по одной схеме, которую критики зачастую ругают: в начале показывают момент славы артиста, потом он вспоминает травмирующие события юности, первый успех, столкновение с циничными продюсерами, тяжёлый период, связанный, например, с употреблением наркотиков, и возвращение на сцену.
Но ещё в 2007 году режиссёр Тодд Хейнс сумел рассказать об одном из величайших современных музыкантов, избежав почти всех клише жанра. Картина «Меня там нет» посвящена Бобу Дилану. В форме псевдодокументального репортажа со вставками из личной жизни артиста рассказывают обо всех основных этапах его творчества. Вот только самого Дилана как такового в фильме нет, есть лишь воплощения разных периодов его творчества.
Если открыть список актёров, можно увидеть множество звёзд, сыгравших главные роли: Кристиан Бейл, Хит Лэджер, Кейт Бланшетт, Ричард Гир, даже юный темнокожий Маркус Карл Франклин.
Его герой по имени Вуди появляется первым. Он не только воплощает кантри-музыканта Вуди Гатри, которого очень любил Дилан, но и символизирует акустический период творчества героя. Бейл в роли Джека — время протестов, Гир в образе Билли — отсылка к участию музыканта в фильме «Пэт Гэрретт и Билли Кид».
Разумеется, все они регулярно исполняют песни Дилана, а биография каждой субличности повторяет отдельные моменты жизни прототипа. Но при этом «Меня здесь нет» избегает банальностей и традиционных попыток показать путь к славе, процесс сочинения песен и прочие ходы, которые используют в аналогичных работах.
Создавая картину, Хейнс запросил разрешения у самого Боба Дилана. Менеджер артиста попросил отправить одностраничный синопсис, но посоветовал избегать банальных оборотов в стиле «голос поколения». Поэтому режиссёр начал свой текст с цитаты Артюра Рембо: «Я – это Другой».
В дальнейшем Хейнс объяснял необычный подход к биографии так: «В тот момент, когда вы пытаетесь поймать Дилана, его уже нет там, где он был. Он как пламя: если вы пытаетесь удержать его в руке, вы обязательно обожжетесь».
Танцующая в темноте (Dancer in the Dark, 2000 год)
Не стоит забывать, что и Ларс фон Триер однажды снял настоящий мюзикл. Да ещё и с популярной певицей в главной роли. Хотя знаменитый режиссёр-провокатор сделал всё по-своему, создав сюжет, нарушающий все правила музыкального кино.
«Танцующая в темноте» посвящена слепнущей девушке Сельме (Бьорк). Она работает на заводе и пытается собрать деньги на лечение сына, который тоже теряет зрение. Но потом героиню увольняют, а арендодатель дома пытается украсть у неё все сбережения, что приводит к трагедии.
Фон Триер работал над этим фильмом в период увлечения «Догмой 95» — новым манифестом кино, который режиссёр разработал вместе с Томасом Винтербергом и другими коллегами. Этот подход подразумевал максимально натуралистичные съёмки: без спецэффектов, при естественном освещении и без стилизаций под другие места или времена. Словом, полная противоположность традиционным мюзиклам.
Но режиссёр пошёл на хитрость: он отделил номера с песнями от остального сюжета. В музыкальных сценах ручную камеру меняют на статичную, а цвета становятся ярче. Хотя с музыкой фон Триер тоже обошёлся необычно. Зачастую она складывается из индустриальных шумов, а не только исполняется на обычных инструментах.
В плане звучания, конечно, важную роль сыграло сотрудничество автора с Бьорк, лично написавшей композиции. Хотя потом певица негативно отзывалась об опыте работы с фон Триером и даже грозилась подать на него в суд. По словам Бьорк, режиссёр сделал фильм слишком личным для неё: она буквально срослась со своей героиней и воспринимала работу как вторжение в личное пространство.
Любопытно, что саундтрек издали ещё до релиза «Танцующей в темноте». Но аудиоверсии песен сильно отличаются от того, что потом показали в кино. Например, в композиции Scatterheart совершенно иной текст. Скорее всего, фон Триер не хотел раскрывать детали картины даже в таком виде.
Попай (Popeye, 1980 год)
Сразу стоит оговориться: художественные достоинства этого фильма весьма сомнительны. Но всё же нельзя не упомянуть первую роль Робина Уильямса в большом кино. Да к тому же, мультики и комиксы про моряка Попая знают все, а вот о фильме уже давно забыли.
История создания картины берёт своё начало в конце семидесятых, когда студия Paramount проиграла битву за экранизацию знаменитого мюзикла «Энни». Продюсер Роберт Эванс обратился к руководству с вопросом: каких героев комиксов можно перенести на экран в подобном жанре? На совещании среди прочих упомянули знаменитого «Попая».
Правда ровно в то же время анимационная студия Hanna-Barbera запускала новую серию мультфильмов о любителе шпината. Но авторов не смутило, что придётся конкурировать с другим и уже более привычным воплощением моряка. Тем более, что они хотели взять за основу оригинальные комиксы, в которых у Попая не было необходимости постоянно есть шпинат.
Изначально на главную роль звали Дастина Хоффмана, но актёр вскоре рассорился со сценаристом Джулсом Файффером и покинул проект. Тогда создатели пригласили комика Робина Уильямса, который уже набрал популярность в театре и на телевидении, но в кино появлялся лишь в эпизодических ролях.
Под руководством режиссёра Роберта Олтмена на Мальте построили настоящую деревушку, где и начали съёмки. По сюжету, моряк Попай в поисках отца приезжает в городок Свитхевен, где влюбляется в Оливию (Шелли Дюваль — Венди из «Сияния»). Вот только девушку против воли отдают замуж за негласного хозяина поселения грубого Блуто (Пол Л. Смит).
Но моряк завоюет сердце девушки, усыновит ребёнка, способного свистом предсказывать будущее, а заодно освободит город от налогов и побьёт осьминога.
Проблемы начались чуть ли не с самого старта производства. Для начала, авторы странно обошлись с песнями. Обычно для мюзиклов вокал записывают заранее, чтобы на съёмках актёрам было удобнее попадать в свою фонограмму. Здесь поступили наоборот. В итоге на озвучке было очень трудно синхронизировать пение с видеорядом. Хлопот доставлял и склонный к импровизациям Робин Уильямс — это уже потом актёр прославится именно таким подходом, и авторы будут стараться ему не мешать.
Вдобавок производство дорожало с каждым днём: пришлось вызывать специальных мастеров, чтобы переделать неудобные накладные руки, сценарий постоянно переписывали, затягивая работу, потом сломался механический осьминог. А к финалу съёмок началась непогода, и процесс свернули, так толком и не закончив работу. Поэтому картину монтировали из того, что успели отснять.
В результате получился очень нелепый и нескладный фильм. Но где ещё можно увидеть Робина Уильямса, поющего голосом Попая и танцующего во время боксёрского поединка. Кстати, построенная для съёмок деревня существует до сих пор и давно стала туристической достопримечательностью.
Рипо! Генетическая опера (Repo! The Genetic Opera, 2008 год)
В 1996 году актёр и композитор Даррен Смит услышал от своего друга трагическую историю. Тот обанкротился, и у него забирали за долги имущество. Тогда Смиту пришла в голову идея антиутопии, в которой у человека могут изъять не только недвижимость и накопления, но и органы тела.
Вскоре он вместе с коллегой Терренсом Здуничем придумал первую версию рок-оперы «Рипо!» Сюжет несколько раз переписывали и исправляли, но в итоге он стал выглядеть так.
Действие разворачивается в мире, где человечество пережило пандемию страшного вируса. Из-за болезни у людей отказывают внутренние органы. Поэтому корпорация GeneCo во главе в Ротти Ларго делает искусственные заменители, продавая их в кредит. Если покупатель задерживает платежи на три месяца, к нему приходят конфискаторы и изымают органы.
Главная героиня — юная Шайло Уоллес — страдает от заболевания крови, и поэтому живёт в изоляции. Она считает, что её отец — врач. Но на самом деле тот анонимно работает Главным Конфискатором.
Дальнейший сюжет лучше не раскрывать, там будет много неожиданных драматических поворотов.
Авторы превратили свою задумку в театральную постановку и несколько лет ездили с гастролями. А в 2006 году режиссёр Даррен Линн Боусман, только что отснявший популярнейшие вторую и третью части «Пилы», решил перенести историю на экран.
Он последовал принципу Джеймса Вана (автора оригинальной «Пилы»): снял десятиминутную короткометражку и разослал по студиям. В итоге продюсировать проект взялась Lionsgate. Правда бюджет на картину выделили совсем скромный. Но ещё хуже получилось с релизом: в 2008 году у Lionsgate менялось руководство, новые управляющие изменили приоритеты проката. И в итоге про «Рипо!» практических забыли: фильм пустили всего в семи кинотеатрах.
Но создатели всеми силами поддерживали своё произведение, устраивали пресс-конференции, ездили с турами поддержки. Во многом благодаря их стараниям мюзикл со временем стал культовым. Отчасти «Рипо!» повторил судьбу «Шоу ужасов Рокки Хоррора». На спецпоказы этого фильма точно так же собираются фанаты, устраивающие «шэдоукасты».
А вот в плане необычной постановки и музыки он даже обгоняет знаменитого предшественника. Визуально «Рипо!» представляет собой традиционную антиутопию: мрачное будущее, в котором города сплошь превратились в грязные трущобы, фетишные сексуальные костюмы на героях. Но при этом в сюжете картины замешаны повороты чуть ли не из мыльных опер: тайны среди родственников, борьба за наследство, девочка с неизлечимой болезнью. И, конечно, всё подано с почти комедийным преувеличением.
Что касательно музыки, то и тут авторы постарались захватить максимальное количество жанров. Большая часть композиций — хард-рок, но периодически проскакивают и электронные темы, и опера. Кстати, изначально треков было намного больше, часть из них вырезали, чтобы уместить в полуторачасовой хронометраж. Так что после просмотра лучше послушать оригинальный саундтрек.
Счастье семьи Катакури (Katakuri-ke no kôfuku, 2001 год)
И напоследок — японская чёрная комедия об отеле, смертях и караоке.
Необычайно плодовитый режиссёр Такаси Миикэ отметился буквально во всех жанрах. Он снял хоррор «Один пропущенный звонок» (оригинал, а не отвратительный ремейк), боевик «13 убийц», «Сукияки Вестерн Джанго», миксующий знакомую историю Дикого Запада и антураж средневековой Японии, и десятки других картин. Не обошёл Миикэ стороной и мюзиклы.
Картина рассказывает о дружной семье Катакури. Представители четырёх поколений этой фамилии решают вместе открыть отель неподалёку от горы Фудзи, поскольку вскоре рядом с ней проложат дорогу. Они покупают большой дом, оборудуют в нём номера и запускают бизнес.
Однако первый же клиент кончает жизнь самоубийством. Катакури решают не рисковать репутацией и закапывают тело неподалёку. Потом в отеле умирает борец сумо, заодно придавив своим телом школьницу. А потом и все следующие клиенты погибают один за другим.
Но герои не унывают, они просто прячут трупы и ждут новых гостей. Но самое замечательное, что персонажи периодически начинают петь и танцевать. Даже в то время, когда несут закапывать очередное тело. И это не считая вставок в виде караоке и анимационных сцен, в которых все превращаются в пластилиновые игрушки.
Там ещё есть история любви одной из героинь к офицеру, который называет себя племянником английской королевы. И извержение вулкана. Словом, отличная мелодрама для всей семьи.
Конечно же, список далеко не полный, вы можете продолжить его в комментариях. Но уже эти примеры доказывают, что мюзиклы — жанр практически без границ. Здесь могут быть безумные трэш-комедии, антиутопии и депрессивные драмы. Да ещё и с великолепными саундтреками, которые можно переслушивать даже отдельно от самого фильма.
